Выставка поделок из природного материала «Что нам осень принесла» | Творческая работа учащихся (подготовительная группа):
Опубликовано 29.09.2021 — 16:55 — Индира Шихнебиева Заидиновна
Цель: приобщить детей к миру прекрасного, учить их восторгаться причудливой красотой цветов, плодов различных растений, осенних листьев, шишек, каштанов. Совершенствовать устойчивый интерес к работе с природным материалом. Воспитывать любовь к природе, бережное отношение к ней. Формировать дружеские взаимоотношения детей и родителей. Показать родителям на примере выставки, что природный материал — это кладовая для развития детского творчества.
Осень- чудесная пора, которая своей красотой вдохновляет на создание чего-то прекрасного! В нашем детском саду уже стала традицией организация ежегодной выставки на осеннюю тему. Вот и этот год не стал исключением. 8 ноября в холле детского сада прошла выставка осенних поделок на тему «Что нам осень подарила», в ней приняли участие все возрастные группы.
Дети и родители с большим удовольствием несли в детский сад поделки из природного материала, сделанные своими руками . Поделки были сделаны из овощей, веточек, коры деревьев, из ягод, травы. Было видно, что все поделки сделаны с желанием, с удовольствием, очень аккуратно , с фантазией.
«Осенний калейдоскоп». Выставка поделок из природного материала
Осень – замечательная пора! Золотая осень – вдвойне прекрасное время. Мы наблюдаем за изменениями в природе, любуемся красотой осенней природы. Это время располагает к творчеству.Так родилась ид…
Творческая выставка поделок из природного материала «Золотая осень»
Творческая выставка поделок из природного материала «Золотая осень»Совместная деятельность воспитателей и родителей /законных представителей воспитанников/…
Выставка поделок из природного материала «Золотая осень»
выстовка…
Выставка поделок из природного материала «Осень, у тебя мы спросим: «Что в подарок принесла?»
Цель: Укрепление связей дошкольного учреждения с семьями воспитанников.
Побуждение родителей к совместной деятельности с детьми, объединение в творческую команду….
Приказы № 16, 16/1 об организации и об итогах выставки поделок из природного материала «Калейдоскоп осенних красок»
Приказы об участии в выставке…
Выставка поделок из природного материала «Золотая осень».
Целью выставки стало вовлечение родителей в воспитательно-образовательный процесс наших яслей, развитие художественно-эстетического восприятия, а также приобщение детей к природе, накопление знаний об…
Выставка поделок из природного материала «Дары осени»
Осень — это благодатный период для того, чтобы собирать урожай фруктов и овощей. Но не только, ведь только в этот сезон можно найти такое количество и разнообразие природного материала….
Поделиться:
Открытие этой осенью 2023 года: галереи европейской живописи с 1300 по 1800 год
Большие события происходят в знаменитых галереях европейской живописи Метрополитена.
Галереи European Paintings охватывают две части музея, разделяя коллекцию между 1300–1800 годами и 1800–1900 годами. За последние семь десятилетий обширные потолочные окна, пропускающие естественный верхний свет в галереи до 1800 года, пришли в негодность. , что требует их замены. Эта работа улучшила качество света, расширила впечатления от просмотра картин и решила основные вопросы обслуживания для сохранения нашего исторического физического растения. Это важное мероприятие, начатое в 2018 году, затрагивает более 30 000 квадратных футов площади галереи. Окончательная переустановка, включая полную переустановку галерей, откроется в конце осени 2023 года. Этот проект требует закрытия галерей и перемещения произведений искусства между галереями. Мы постарались как можно дольше сохранить как можно больше наших самых любимых фотографий. Наши галереи девятнадцатого века остаются на виду.
Проект находится на завершающей стадии, открытие 1300–1800 галерей European Paintings запланировано на конец осени 2023 года.
С 27 марта 2023 года весь набор галерей (галереи 600–644) будет закрыт на переустановку. Информацию о закрытии конкретных галерей можно получить на нашем веб-сайте или по электронной почте [email protected].
Работы художников девятнадцатого века, в том числе Ван Гога, Курбе, Моне и многих других, выставлены в наших галереях, посвященных европейской живописи после 1800 года (галереи 800–830).
Голландские картины семнадцатого века выставлены в экспозиции «Восхваление живописи: шедевры голландской живописи» в Метрополитен-музее , которая будет доступна до сентября 2023 года в крыле Роберта Лемана. Выставка объединяет голландские картины из коллекции European Paintings с голландскими картинами из наследства Лемана, Альтмана и Лински.
Ряд специальных выставок, которые откроются в 2023 году, посвящены европейской живописи, в том числе Хуан де Пареха, афро-испанская живопись r и Кипарисы Ван Гога .
И вы всегда можете увидеть свои любимые картины онлайн, выполнив поиск в обширной базе данных The Met.
Обратите внимание, что отдел европейской живописи в настоящее время не может проводить частные просмотры картин, недоступные для всеобщего обозрения. По дополнительным вопросам обращайтесь по адресу [email protected].
Спросите любого художника! До двадцатого века большинство картин создавалось при естественном освещении. Глядя на картины без чрезмерного искусственного освещения, мы можем лучше всего оценить работу художника с материалами. Лучше всего на такое обстоятельство реагируют натуральные пигменты. По этой причине многие музеи размещают свои картинные галереи на верхнем этаже с естественным верхним освещением, которое обычно дополняется искусственным светом.
Амбициозная новая система световых люков Метрополитена будет излучать удивительно рассеянный свет, который можно поддерживать и регулировать в зависимости от сезона с целью продления срока службы. Он поддерживает цель Музея предоставить посетителям оптимальную среду, в которой они смогут оценить коллекцию.
Срок службы существующей системы световых люков, установленной в 1939 году и реконструированной в 1952 году, исчерпал себя. Кроме того, эта работа обеспечивает оптимальное качество света для посетителей The Met.
Будьте в курсе закрытия галерей, сверяясь с картой музея при планировании посещения, и возвращайтесь на эту страницу для получения дополнительной информации об этом проекте по мере его реализации.
Новый взгляд на старых мастеров
Новый взгляд на старых мастеров является частью проекта European Paintings Skylights Project и является прелюдией к финальной обширной переустановке галерей European Paintings, которая состоится после завершения проекта. Присоединяйтесь к кураторам Киту Кристиансену, Стефану Волоходжяну и Адаму Икеру в туре по недавно открытым галереям European Paintings и исследуйте новые диалоги и темы среди работ.
Связь между живописью и светом
В этом видео Кит Кристиансен — Джон Поуп-Хеннесси, председатель Департамента европейской живописи — размышляет о важности естественного света как при создании, так и при просмотре картин.
Серия блогов проекта Skylights
Последняя статья
Загляните за кулисы, поскольку строительство начинается на чердаке над галереями European Paintings.
Просмотреть всю серию
Будьте в курсе событий проекта благодаря серии статей в блогах, написанных кураторской командой The Met и приглашенными авторами.
Присоединяйтесь к онлайн-коллекции европейских картин
Коллекция Highlights
Посмотреть 125 самых известных работ отдела.
В блогах
Узнайте больше о текущих исследованиях, выставках и реставрационных работах отдела.
Хронология истории искусства
Прочтите тематические очерки по истории европейского искусства, богато иллюстрированные коллекцией отдела.
Изображения открытого доступа
Наслаждайтесь изображениями в высоком разрешении более 2000 общедоступных произведений из коллекции отдела, все из которых можно загружать, делиться ими и делать ремиксы — без ограничений.
Движение за экологическое искусство Обзор | TheArtStory
Краткое изложение искусства окружающей среды
С тех пор, как первобытные люди впервые нарисовали полосы дождя и молнии на внутренних стенах своих пещерных домов, художники были очарованы изображением нашей естественной среды. Тем не менее, на протяжении веков внешний вид пейзажа в искусстве должен был вызывать благоговение перед нашим природным миром или служить фоном для документирования человеческих повествований. В 20 9В 0085-м -м веке, наряду с растущими глобальными проблемами, связанными с состоянием здоровья окружающей среды и нашим влиянием на нее как людей, многие художники начали создавать работы в сотрудничестве с физическим миром, чтобы привлечь внимание к экологическим проблемам, а также к нашим отношениям и вкладу в них.
. Как более определенная концепция, экологическое искусство приобрело большую популярность с 1990-х годов, когда художники начали думать о своем окружении не только с точки зрения жилого или застроенного пространства, но и как целостной системы, в которой люди играют центральную роль.
Удалить рекламу
Ключевые идеи и достижения
- Художники-экологи стремятся исследовать наши человеческие отношения с окружающей средой, встраивая в нее свою художественную практику. Это меняет наше представление о месте художественного производства; В отличие от использования студии художника в качестве единственного места для творчества, художники-экологи гораздо более активно и непосредственно взаимодействуют с миром природы, либо работая по-новому на улице, либо привнося природные материалы в новые условия.
- Художники-экологи стремятся работать в гармонии с окружающей средой, а не нарушать ее. Это означает, что они глубоко учитывают влияние, которое они как личности оказывают на природу, и не жертвуют ее здоровьем или благополучием ради создания работы.
Более того, работая в сотрудничестве с органическими ландшафтами, художники-экологи подпадают под неконтролируемые циклы сезонов с их процессами цветения, эрозии, плесени и распада. - Художники-экологи часто используют природные материалы, такие как листья, цветы, ветки, лед, почву, песок, камень и воду, в качестве основы для своих работ. Более того, выбирая размещение своих работ в определенных местах, искусство окружения часто стремится как изменить способ просмотра сайта, так и выявить то, что уже было там. Это требует, чтобы зрители и зрители переосмыслили то, как они «видят» мир вокруг себя, и обратили более пристальное внимание на мельчайшие и отдельные части, составляющие то, что мы можем не заметить как целостную среду.
- Развиваясь из ленд-арта, экологическое искусство также переосмысливает важность выставочного пространства и ищет другие места, где искусство может происходить и где искусство может существовать. Эта форма институциональной критики ставит под сомнение авторитет и власть музеев и галерей, которые исторически контролировали производство, продажу и просмотр произведений искусства. Ища новые, а иногда и уникальные и удивительные места, художники не только лишают власти могущественных арт-дилеров, покупателей и арт-рынок в целом, но и ставят под сомнение потребность в аудитории (и покупателях искусства) на все. Вместо этого художники подчеркивают зарождение идеи и процесс создания, не настаивая на том, что работу должны увидеть многие люди или вообще кто-либо.
Более того, работая в сотрудничестве с органическими ландшафтами, художники-экологи подпадают под неконтролируемые циклы сезонов с их процессами цветения, эрозии, плесени и распада.
Ища новые, а иногда и уникальные и удивительные места, художники не только лишают власти могущественных арт-дилеров, покупателей и арт-рынок в целом, но и ставят под сомнение потребность в аудитории (и покупателях искусства) на все. Вместо этого художники подчеркивают зарождение идеи и процесс создания, не настаивая на том, что работу должны увидеть многие люди или вообще кто-либо.Удалить рекламу
Произведения и художники в области экологического искусства
Progression of Art
Художественные изображения
1978-80
Ocean Landmark
Художник: Be tty Beaumont
Работы Бетти Бомонт глубоко социально сознательны, часто активно подчеркивая устойчивость и участие в современных проблемах. Создавая это произведение, Бомонт искал способ взять отходы электростанции и превратить их во что-то, что принесет пользу окружающей среде. Она сотрудничала с группой ученых, чтобы создать работу, которая и по сей день находится в Атлантическом океане, в 40 милях от гавани Нью-Йорка.
Взяв угольные отходы и преобразовав их в инертные блоки, Бомонт смог создать искусственный риф глубоко под водой. Хотя зрители не могут увидеть произведение из-за его местоположения, программа интерактивных телекоммуникаций Нью-Йоркского университета в 2000 году создала виртуальную реальность скульптуры. Инсталляция, по-видимому, представляет собой рыбный рай, как описано Национальным управлением океанографии и атмосферы.
Работа задает глубокие вопросы о возможностях концептуального искусства оказывать положительное влияние на окружающую среду. В подготовительной работе Бомонта с учеными и инженерами в этом произведении она показала, насколько интегрирована ее художественная практика с наукой об окружающей среде, а также с экспериментальной экологией. Объединив искусство и художественную практику с наукой, она разрушила разрыв между различными дисциплинами и предложила новые междисциплинарные способы работы, особенно в решении насущных проблем, таких как перепрофилирование и переработка промышленных отходов.
Более того, помещая свою работу под воду, она рассматривала проблемы между пассивной и активной реакцией своих зрителей: как мы можем реагировать на эту работу как на эстетический объект или как на пример активизма?
Инертные угольные отходы
Художественные изображения
1981-85
Конусы Pinfold
Художник: Энди Голдсуорти конкретные работы, исследующие неотъемлемая красота окружающей среды, неизбежные циклы возрождения и распада, сотворчество человека и природного материала. Он отметил, что рассматривает свою работу как «сотрудничество с природой». В этом примере мы видим этот союз через его глубокую оценку того, что природа может предложить любому, кто найдет время, чтобы внимательно присмотреться.
В течение четырех лет Голдсуорси жил в Камбрии на северо-западе Англии и работал над созданием этих форм из известняка, работая в этом районе садовником. Он тщательно отобрал местный известняк и сложил осколки в виде конуса, каждый из которых уникален.
Он отметил: «Я очарован тем, как растет шишка, камень на камне, слой за слоем — как растет дерево, кольцо на кольце. Внося небольшие изменения в положение каждого камня, можно выделить или принять форму. в, сделанный изящным или приземистым, полным или пустым». Для каждого конуса Голдсуорси создал особую форму, основанную на естественных изгибах и остриях самих камней.
Работа была создана в диалоге с соседними «Девятью стандартами», представляющими собой девять пирамид из камней, которые стояли на холме в течение нескольких столетий, происхождение которых неизвестно. Голдсуорти хотел, чтобы его произведения соответствовали этим древним структурам, создавая связь между старым и новым. Имитируя форму и материал старых пирамид из камней, Голдсуорси предположил, что использование природных материалов для строительства является древним, врожденным человеческим импульсом. Он продемонстрировал долговечность камня своими творениями, которые указывают на то, что, как и «Девять стандартов», они тоже могут просуществовать несколько сотен лет.
Хотя произведение нельзя было купить или продать, оно давало зрителям особое сообщение о том, что они тоже могут создавать свои собственные версии древних артефактов и фактически дополнять идею географического наследия.
Конусы известняка — Бро, Камбрия
Artwork Images
1982
Wheatfield, a Confrontation
Художник: Агнес Денес производить работу, которая раздвигает границы того, каким может быть искусство, переходя в другие дисциплины, такие как активизм. Это произведение — одно из ее самых известных и чрезвычайно амбициозных произведений. С помощью нескольких добровольцев Денес засадил пшеничным полем площадью два акра на свалке в Нижнем Манхэттене. Земля была подготовлена с почвой, засеяна пшеницей, а затем собрана. Произведение просуществовало три месяца.
Местоположение имело центральное значение для этой работы. В то время это место было совершенно бесплодным и еще не застроенным, как сегодня (сейчас здесь находится район Бэттери-Парк-Сити), что делало его идеальной городской пустошью для возрождения.
Но есть и другие важные подробности о сайте, как комментирует писательница Кэрри Джейкобс: «Работа, казалось, смотрела вниз на Всемирный торговый центр, один из значительных символов власти Нью-Йорка, и заставляла зрителя решать сложные вопросы […] ] о разрыве между богатыми и бедными, между пастырским и технократическим и о том, как люди воспринимают прогресс». Хотя ее влечение к местам городского упадка может напоминать работы Роберта Смитсона, преходящий характер работы означает, что вместо того, чтобы оставить постоянный след на земле, работа Денес вспоминается только в памяти, на фотографиях или из уст в уста.
Пшеница и почва на свалке в Манхэттене
Artwork Images
1988
Двуспальная кровать для сновидений
Художник: Мэг Вебстер
Мэг Вебстер часто приносит сады, цветы и растения в пространство галереи. Но эти работы не просто воспроизводят английский загородный сад или атмосферу цветочной выставки. Вместо этого, используя свет, тепло и органический материал, она активно меняет температуру окружающей среды в галерее, воссоздавая экосистемы.
В этом произведении мы видим влияние минимализма в простом изображении скругленного прямоугольника из торфяного мха и почвы. Материалы, из которых он сделан, являются строительными блоками нашей жизни, поскольку они обеспечивают основные отправные точки для растений, которые питают нас и других живых существ. Хотя этот момент может показаться очевидным, придавая этому природному материалу такую незамысловатую форму, Вебстер раскрывает скрытую, вездесущую магию природных процессов, которые ненавязчиво постоянно происходят вокруг нас. Тем не менее, перенеся его в галерею, она также смогла подчеркнуть его важность и предложила зрителям рассматривать то, что обычно игнорируется, как нечто достойное искусства. Более того, используя почву с ее отчетливым запахом и видом, она напомнила зрителям, что природа — это не только то, на что нужно смотреть, но и тактильное присутствие.
Торфяной мох и почва
2003
Проект «Погода»
Художник: Олафур Элиассон
Исландско-датский художник Олафур Элиассон создал несколько работ, которые непосредственно используют силу погоды как средство добавления нового эмпирического элемента.
к эстетической встрече. Часто используя свет и воду, Элиассон заинтересован в растворении границы между внутренним и внешним через восприятие нашим телом ключевых элементов, составляющих жизнь на земле. Погодный проект состоит из сотен желтых ламп, прикрепленных к стене в форме полусолнца. Затем это полусолнце отражается зеркальной фольгой на потолке, создавая впечатление полного светящегося шара. Огромная комната затем опрыскивается туманом, так что зрители, двигаясь по пространству, становятся слегка влажными, словно двигаясь сквозь лондонский туман. Элиассон использовал моночастотные лампы, чтобы были видны только черный и желтый цвета, что создавало ощущение, похожее на прогулку в тени.
Воссоздавая погоду внутри, Элиассон обратил внимание на то, как мы обычно воспринимаем погоду как простой фоновый элемент нашей жизни. Хотя погода может влиять на нашу способность получать удовольствие от определенных видов деятельности, ее обычно рассматривают только с точки зрения ее воздействия на нас, а не на ее собственных условиях, как в равной степени живой сущности.
Особенно это становится заметно при проживании в городе. В прошлых аграрных экономиках люди жили в гармонии с погодой и полагались на нее для поддержания своего образа жизни. Теперь для тех, кто живет в городах, возможно, это просто неприятность. Элиассон хотел, чтобы работа была посвящена этой проблеме, сказав: «Каждый город влияет на свою погоду. Как жители, мы привыкли к погоде, опосредованной городом». Делая погоду событием в этом знаменитом столичном музее, он пытается абстрагировать ее от контекста, позволяя нам по-новому оценить ее сложности и нюансы.
Моночастотное освещение, проекционная пленка, дымовые машины, зеркальная фольга, алюминий и строительные леса
Художественные изображения
2003
Ветви деревьев
Художник: Герман де Врис
Голландский естествоиспытатель и художник Герман де Врис (кто использует все строчные буквы в написании своего имени) создал эту работу Ветви деревьев как часть своей серии Каталоги природы .
Получив образование садовника и биолога, Де Врис привнес свои глубокие знания о растениях и природе в свою работу, собирая, каталогизируя и демонстрируя множество природных материалов. Для этого произведения он тщательно собрал и разложил различные экземпляры деревьев (а в других примерах — листья и почву) в форме, напоминающей таксономические экспозиции викторианской эпохи.
Однако, в отличие от произведений викторианской эпохи, в которых каждый экземпляр маркировался родом и видом, а также его общим названием, здесь художник оставляет примеры самим себе. Хотя викторианцы, возможно, стремились задокументировать и объяснить природу, в работах де Врис отсутствует человеческий язык. На самом деле в собранных объектах мы не знаем, на какие деревья мы смотрим, и действительно, мы могли смотреть на ветки какого-то одного и того же дерева. При этом Врайс требовал, чтобы аудитория смотрела и изучала блестящие детали и структуру каждого примера и избегала попыток классифицировать или навешивать ярлыки.
Де Врис стремился сформировать такое понимание природы, которое вышло бы далеко за рамки простого образования и привело к другому способу видения окружающего мира.
Ветки деревьев на бумаге
Художественные изображения
2005
Клемсон Клей — Гнездо
Художник: Нильс Удо 60-х и до сих пор работаю над этот день. Это огромное птичье гнездо было построено Удо в ботаническом саду Университета Клемсона. Построенная с помощью студентов и волонтеров инсталляция была сделана из бамбука внутри гнезда и сосны снаружи. В нем использовалось 80 тонн сосновых бревен местного производства. Кусок простоял два года, прежде чем его бревна превратили в мульчу, чтобы заполнить яму.
Удо построил другие гнезда, такие как его 1993 Птичье гнездо, Яйца, сформированные во льду, окрашенные плодами калины , сделанные в масштабе с палками и льдом, или Зимнее гнездо , полностью сделанное из снега. Но для этого гигантского гнезда он обратил внимание на труд и умение строить птичье гнездо.
Используя силу глины, обычно материала, используемого для строительства домов из кирпича, он создал прочную структуру, которая предполагала свою долговечность. Однако он сопоставил это с использованием необработанной древесины, которая неизменно гнила, плесневела и менялась. В произведении нас попросили подумать о том, что мы, люди, подражаем природе в нашем собственном мире. Птицы строят, не считаясь с гарантией долговечности своего жилища. Даже их проживание подвержено естественным силам климата и разложения. Мы, с другой стороны, предпочитаем строить вещи для постоянства. Обращая внимание на веру птиц в естественный порядок Матери-Природы, будь то созидательный или разрушительный, мы поощряем больше доверять гармоничным процессам жизни.
Бамбук, сосна и глина. окружающая среда и природа. В этой серии фотографий Джордан запечатлел непосредственное воздействие пластиковых отходов на популяцию альбатросов на атолле Мидуэй, отдаленной территории Соединенных Штатов. На этой фотографии Джордон разрезал желудок мертвого птенца альбатроса, чтобы обнажить пластиковый мусор, который он съел, случайно накормив его родителями, принявшими мусор, плавающий в сильно загрязненном Тихом океане, за еду.
Тело альбатроса все еще узнаваемо, поскольку мы можем видеть его клюв, глаза и перья. Но Джордан выложил кусочки токсичного пластика в красочном сопоставлении с приглушенными цветами птенца, предлагая проблеск пагубного воздействия невежества и небрежности на невиновность. Туша альбатроса также показывает, насколько коварным на самом деле является климатический кризис, поскольку он заявляет: «Как и альбатросы, мы, люди первого мира, больше не можем различать, что питает, а что токсично для нашей жизни и нашего духа».
Тушка цыпленка альбатроса, пластик
Удалить рекламу
Начало экологического искусства
Экологическое искусство, также известное как экологическое искусство, охватывает несколько различных форм и практик, связанных с окружающей средой и представляющих ее. Он отличается менее конкретным периодом времени и большим объемом искусства. Как заметил профессор Джон Э. Торнс, «искусство окружающей среды — это […] новый жанр для описания произведений искусства, которые не только непосредственно репрезентируют окружающую среду (19 th чудеса века, такие как Cloud Series Джона Констебла, London Series Клода Моне или Mont Sainte Victoire Series Поля Сезанна), но также и произведения искусства, которые явно не репрезентативны и перформативны с точки зрения гораздо менее прямой интерпретации но более активное участие аудитории, такое как Ричарда Лонга «Линия, сделанная ходьбой» или Skyspaces Джеймса Таррелла .
Пейзажная живопись
Мир природы всегда служил источником вдохновения для художников, являясь фоном и центром внимания, а его красота вызывала непреходящее чувство благоговения, переплетающееся на протяжении веков. Европейские художники Высокого Возрождения часто прославляли гармонию мира природы в своих композициях и стремились воспроизвести ее равновесие. Позже художники-натуралисты, такие как Джон Констебл, противопоставляли изображения домов и сельскохозяйственных деталей реалистичным изображениям британского пейзажа. Под влиянием Констебла художники французской барбизонской школы стремились изобразить реальную жизнь в природе и среди нее: «Сборщики урожая » Жана-Франсуа Милле — одна из самых знаменитых работ этой школы, изображающая людей, работающих на земле. В 19 -м -м веке импрессионисты бросили вызов различию между фокусом и фоном картины с помощью более неформальных композиций, так что картины казались моментальными снимками, а не статичными изображениями.
пленэрных картины Моне особенно запечатлели его ближайшее окружение: его знаменитые водяные лилии 9Серия 0174 начала 20 -го -го века тому подтверждение. В Америке в 19 -м -м веке школа реки Гудзон играла центральную роль в развитии особой эстетики, поскольку такие художники, как Томас Коул, исследовали, как изобразить чудесные особенности нового континента.
Однако, размышляя о традиционной композиции пейзажной живописи, некоторые критики и художники начали замечать, что эта форма делала природу слишком живописной и слишком контролируемой: то, что мы видели в пейзаже, было не природой как таковой, а ее версией. как видно глазами художника. Это создало собственную категорию пейзажа, и было вполне логично, что художники развили свое восприятие мира от простого предмета к реальной сущности, с которой мы начали созерцать наши различные отношения. Когда художники начали исследовать присутствие человечества в этом отношении, они начали рассматривать наше физическое взаимодействие с нашим естественным миром, а иногда и противодействие ему.
Возникновение концептуального искусства
В начале 20 -го -го века многие художники отошли от реализма, они также отошли от изображения природных ландшафтов в моде предшествующих эпох. Вместо предмета на холсте некоторые художники начали создавать более концептуальные работы, действие которых происходило на природе, или использовали природу в качестве ключевого средства в своей работе. В этих проектах акцент делался на местоположении, материалах и процессе, а не на предвзятых представлениях о конечном произведении. Художник Джозеф Кошут написал Art after Philosophy в 1969 году как средство критики господства модернизма в мире искусства и обращения к художникам с просьбой переосмыслить возможность того, на что способно искусство и как может отреагировать аудитория. Такие художники, как Йозеф Бойс и Сол Левитт, создавали сложные и многослойные работы, которые перемещались из галерейного пространства в новые и инновационные места.
Искусство Земли
Искусство Земли или Искусство Земли было важным авангардным направлением в искусстве 1960-х и 70-х годов, созданным главным образом американскими художниками.
Он развивался через минимализм, который отстаивал новую простоту, а также растущее разочарование в контроле и иерархии основного арт-рынка. У него также было много общего с концептуальным искусством в том, что он отдавал приоритет процессу над исполнением. Многих молодых художников в то время беспокоили ограничения галерейного пространства, а движение контркультуры побуждало людей переосмысливать структуры власти и способы успешного действия вне их. Художники начали искать места в городских пустырях и пустынях для размещения различных работ, некоторые из которых были удивительными по композиции и размеру. Роберт Смитсон Spiral Jetty (1970) считается центральным произведением ленд-арта; Создавая огромную спираль на солончаке в штате Юта, Смитсон ссылался на грандиозный масштаб и размеры самой природы. Смитсон вместе с другими художниками, такими как Нэнси Холт, Майкл Хейзер и Уолтер де Мария, создавал работы с использованием камня, камня, почвы и песка.
Удалить рекламу
Однако, как писал английский писатель и художник Адриан Генри, если «основные произведения искусства Новой Земли — американские… Голландия кажется естественной родиной экологического искусства».
Для Генри экологическое искусство было гораздо более европейским делом. Его художники не создавали огромных работ в пустыне а-ля Double Negative американца Майкла Хейзера (1969-70) и не обязательно реагировали на критику американской контркультуры. Вместо этого экологическое искусство стремилось более легко использовать и работать в тандеме с природными материалами. Фактически, Роберта Смитсона и других критиковали за ущерб окружающей среде, причиняемый их работами: такие методы, как вырезание кусков из земли, бурение, копание и перемещение тяжелых материалов, таких как камень, не продемонстрировали должным образом заботу о воздействии человека. на природе.
Эти критические анализы были рождены зарождающимся мировым экологическим сознанием. В книге Рэйчел Карсон 1962 года « Тихая весна, » задокументировано воздействие пестицидов на мир природы. В нем было предсказано воздействие на использование и накопление вредных химических веществ у животных и насекомых, а также предложены альтернативы пестицидам и стратегии по сокращению вредителей.
Книга оказала огромное влияние на общественное сознание о влиянии человека на мир природы и привела к созданию нескольких групп по защите окружающей среды и проведению кампаний. В 1970 Правительство Ричарда Никсона учредило Агентство по охране окружающей среды как средство решения многих проблем, поднятых в тексте Карсона. В том же году был создан День Земли, отмечаемый ежегодно 22 и апреля. День был создан для того, чтобы привлечь внимание к широкому спектру экологических проблем, стоящих перед земным шаром. Примерно в то же время были созданы первые Зеленые партии, чтобы учесть опасения, высказанные группами экологической справедливости и заинтересованными лицами, в основной политике. С тех пор изменение климата и глобальное потепление занимают все более важное место в манифестах других политических партий, поскольку ученые предупреждают об очень серьезном влиянии экологических изменений на повседневную жизнь людей во всем мире.
Экологическое искусство: концепции, стили и тенденции
Репрезентация
В центре экологического искусства стоит сложный вопрос о том, как (и если) окружающая среда и ландшафт могут быть представлены в искусстве.
Профессор Джон Э. Торнс проводит различие между искусством, которое стремится воспроизвести мир, и искусством, которое воспроизводит опыта пребывания в мире. Выявляя эти различия, Торнс выявляет проблему, присущую понятию «репрезентация»: существует ли только один способ восприятия нашего окружения? Можем ли мы отделить репрезентацию от опыта? Многое в искусстве окружающей среды борется с этими проблемами: в тщательном планировании и создании работ Агнес Денес Древесная гора — Капсула времени жизни (1982), что мы можем сказать, что она действительно «представлена»? Часть, состоящая из 10 000 деревьев, посаженных в математически точном порядке, предназначена для роста 400 лет. Можем ли мы сказать, что в этом амбициозном плане представлена природа? Вместо этого кажется, что вместо того, чтобы ставить под сомнение способность передать что-то реалистичное, искусство окружающей среды стремится преобразовать саму основу, на которой мы воспринимаем искусство, будь то с точки зрения масштаба.
, время или аффект.
Натуральные материалы
Использование природных материалов и процессов, происходящих в природе, очень важно для аспектов экологического искусства. Художники часто используют вещи, которые будут расти, такие как семена, цветы и водоросли; материал, который может разлагаться, как дерево и листья; и сами элементы, которые подвержены изменениям, как вода и огонь. При этом искусство окружающей среды привлекает внимание к естественным процессам, лежащим в основе каждого аспекта жизни, и напоминает зрителям, что мы сами причастны к тем же переходам. Эти работы иногда могут отображаться только один раз или временно. Это означает, что сами произведения искусства становятся опытом или даже документацией опыта. Тошикацу Эндо, например, часто сжигает свои изделия, а затем фотографирует процесс, а затем демонстрирует результаты. Питер Хатчинсон 9В рамках проекта 0173 Particutin Volcano Project (1970) художник положил белый хлеб на действующий вулкан, чтобы сфотографировать ускоренный процесс гниения.
Британский художник Энди Голдсуорти, как известно, использует материалы из своего ближайшего окружения, чтобы прославлять эстетику, разнообразие и красоту мира природы. Природные материалы используют непосредственность и близость к нашей повседневной жизни, чего еще не видели в искусстве.
Аудитория
Экологическое искусство имеет очень интересные отношения с понятием аудитории или даже одного зрителя, поскольку произведения искусства часто находятся в определенных, а иногда и труднодоступных местах. Художники часто документируют процесс, а не готовый продукт. Это влияет на способность людей видеть конкретную итерацию произведения и заставляет их переосмыслить свои ожидания относительно пределов эстетического опыта. Рассматривая идею публики в своих работах, художники задают вопросы о славе и наследии: если искусство не вечно, а точнее, не дает художнику жить своими достижениями, то какое еще оно может иметь значение?
Удалить рекламу
Более поздние разработки — после искусства окружающей среды
В 1990-х и начале 2000-х годов все больше и больше художников-экологов начали задумываться о фактическом наследии и влиянии искусства на окружающую среду, а также о том, как их работа может активно привлекать внимание к конкретным проблемы, происходящие в невидимых или незарегистрированных местах.
Термин «эковентация» был придуман художницей/куратором Сью Спейд и куратором Эми Липтон для определения искусства, которое имело гораздо более конкретную функцию, чем просто представление идеи, но это было своего рода «вмешательство», чтобы помочь в улучшении конкретный вопрос. Эти двое курировали выставку в Центре современного искусства в Цинциннати, посвященную этой идее, на которой были представлены различные примеры работы с окружающей средой, и написали сопроводительную книгу, закрепив этот термин как отдельное эстетическое движение.
Экологическое искусство оказало существенное влияние на инсталляцию и паблик-арт в плане использования материалов или вдохновения, черпаемых из природы и природных явлений. В последние годы работы таких художников, как Олафур Элиассон и Анн Вероника Янссенс, продемонстрировали прямое влияние мимолетных переживаний искусства окружающей среды через создание сфабрикованных естественных переживаний в пространстве галереи. Работа Элиассона, The Weather Project (2003), например, воспроизвела опыт огромного заходящего солнца в культовом Турбинном зале Тейт Модерн, перенося небо внутрь.